planteamiento sobre la educación artística 2.0

Retomando el primer planteamiento, donde me sentía en un lugar privilegiado donde poder cambiar cierta consideración social hacia el arte, y considerando todo lo visto en clase, creo que la tarea que me propongo es dificilísima. Me gustaría acabar esta entrada hablando con optimismo, porque creo que termino el curso con una idea clara de qué es lo que tengo que hacer (otra cosa es que sepa cómo hacerlo): creo que es fundamental despertar la curiosidad, motivar, y sobre todo, conectar. Pero creo que hace unas semanas tomé conciencia de la responsabilidad que supone educar, o dicho de otro modo, reconstruir socialmente. Porque de eso se trata. Quizás es en este punto donde me sienta más optimista, puesto que aunque nuestra época actual adolezca de atomizarse en pequeños fragmentos, la multiplicidad de recursos con los que contamos en nuestra práctica ayuda a implicarnos más en la tarea. Pero hay que tener actitud. Esa actitud que obliga a que sintamos curiosidad (deconstruyendo) y que analicemos la realidad que rodea a los alumnos. Tenemos a nuestro alcance múltiples  soluciones ante la perspectiva de que todo es relativo. La aparición de las ciencias sociales en la educación, las nuevas tecnologías y los avances en la investigación pedagógica han motivado una educación basada en la apertura y el mestizaje. La educación plástica y visual se materializa a través de múltiples propuestas aprendiendo horizontalmente, entre profesores y alumnos, entre artistas y no artistas, y considerando, sobre todo, el lugar y el momento en que nos encontramos.  De nuevo surge la Cultura Visual como paradigma educativo: todo lo que nos rodea es susceptible de utilizarse como recurso, por su interés e influencia en el mundo de la imagen y por ser fiel reflejo de la realidad. Además, jugamos con la ventaja de utilizar los recursos, tanto tecnológicos como visuales, más atractivos para los alumnos. Como el proyecto curricular, en el que no hay una postura única, no hay asignaturas y se aboga por el aprendizaje por descubrimiento; un poco como ha ocurrido en el curso de Aprendizaje y Enseñanza, donde hemos aprendido de forma casi inconsciente. 

Así, parece ser que el educador artístico es un actor implicado en la reconstrucción social a partir del arte. La pedagogía crítica, además de analizar el mundo y colaborar en su comprensión a través del arte, aboga por la participación activa. Nosotros, como educadores, debemos analizar y tomar parte, fomentando la crítica a lo impuesto y desconfiando de lo establecido. En la pedagogía crítica los actores se implican en la transformación social formando a alumnos con espíritu crítico. Algo vislumbraba en el planteamiento 1.0 y ahora debe ser mi papel fundamental en la 2.0. Y hasta en la 4.0 

Pero hay que conseguir transmitir nuestras ideas. Fomentar la colaboración. Tomar conciencia de que no estamos solos. Trabajar socialmente.

Parafraseando a un tal Carlos Escaño:...elaborar una estructura pluripersonal que nos ayude a sobrevivir(...)una edificación social y entre todos.

Vamos allá...

exprésate

Unidad didáctica por parejas. Fotografía.


Exprésate!

Gracias Mayi.

consume hasta morir

Vivimos en una sociedad que nos bombardea constantemente sobre lo importante que es tener y no saber. Con ese problema tenemos que lidiar si queremos tener éxito en esta empresa que llamamos educación. Bien merecía la pena la  redacción de la unidad si podemos contribuir a tomar conciencia de esto, pero creo que no fuimos lo bastante precavidos al no reparar en el efecto que podían provocar ciertas imágenes. 

Banksy no nos deja indiferentes, nos obliga a posicionarnos, cuestiona nuestras ideas y plantea otros debates. No aspiro a explicar las razones que han llevado a Banksy a hacer este graffiti, pero si a que se entiendan las nuestras: realmente la utilización del grafitti no buscaba la provocación ofensiva, ni la crítica, ni la sátira, sino una forma de hacer pensar en la sacralización del consumo, esa forma de vida que está haciendo que se eleve a los altares todo lo material, esa religión a la que no le importa quién seas, sino cuánto tengas: el consumismo. Ya que hablamos de consumo, si nuestros clientes los alumnos, como dice Carlos, son capaces de pensar en ello hablando o debatiendo sobre esta imagen, bienvenida sea. Como bienvenida sería la imagen que muestro arriba para ilustrar esta entrada; creo que hacer pensar es un objetivo del arte, como también lo debería ser el de la educación. 

En cualquier caso, agradezco todo lo que se habló en clase porque sirvió para tomar conciencia de cuestiones importantes que debemos plantearnos a la hora de realizar nuestro trabajo. Es una prueba más de que la diversidad de opiniones nos enriquece a todos. Gracias.

Presentación

Texto completo

Gracias a Mayi, Dani, Armando y Crispín.

Danto II

Relacionado con el texto de Danto,  publico el comienzo de la película Exit Through the Gift Shop, de Banksy. Me parece oportuno porque creo que ilustra perfectamente una facción de la sociedad artística (y consumista) actual. Es la historia de un tipo que, intentando filmar a Banksy en plena acción, se acerca tanto a él y al mundo del street art que acaba dedicándose por completo a ello con el único propósito de hacerse rico; y lo consigue. En fin, creo que es curioso ver lo que  ocurre cuando la pasión se convierte en ambición. Poderoso caballero... 

Danto

¿Ya está todo inventado? ¿El arte ya no sorprende? Danto nos ofrece una visión histórica del concepto de arte llegando a la conclusión de que éste ha llegado a su fin, o que al menos su futuro es difícil de predecir. Veamos. Disminuir la distancia entre imagen y realidad era el fin que perseguían las obras, de tal manera que la perspectiva y la representación del movimiento en pintura, fueron instrumentos que permitieron medir el progreso del arte paralelamente al de la Historia. Dicen del arte que es una convención, una relación contractual en la que se establece una comunicación entre el emisor y el receptor a través de un canal,  la obra de arte;  hasta principios del siglo XX, el éxito de este proceso comunicativo radicaba en la posibilidad de plasmar la realidad. El cine y la fotografía, los nuevos métodos de captar la realidad, cambiaron el discurso del arte porque, ¿qué hacer  cuando un instrumento es capaz de hacerlo instantáneamente? Desde entonces, esta comunicación se ha medido en términos emocionales e interpretativos. 

Las meninas. Velázquez vs. Picasso

La copia literal ha sido suplantada por la necesidad de contar algo y de nuevo, la distancia entre la  obra  y la realidad aumenta, abriendo una brecha donde la interpretación del espectador entra en juego. Tenemos que decidir entonces quiénes son los llamados a aceptar ciertas discrepancias, entre la ficción y la realidad, como valores de la obra y cuáles no. Entramos entonces en un terreno espinoso, el de la aceptación de un código subjetivo llamado a etiquetar ciertas piezas como obras de arte, donde la representación queda totalmente excluida del concepto de arte para dejar sitio a la expresión.  ¿Quiénes son los llamados a hacerlo? ¿Marchantes, galeristas, museos, artistas, mercado? Realmente no hay consenso y la tarea se reduce a relacionar el contenido expresivo de las obras con su creador. En palabras del propio Danto "la historia del arte se convierte en la historia de las sucesivas vidas de los artistas".

En fin, que la historia adolece de empaquetarse en compartimentos estancos lo que no nos permite analizar lo que vendrá sin utilizar recursos de nuestro tiempo. Por ello no podemos considerar la historia como algo lineal, sino como una sucesión de períodos a los que no nos es posible aplicarles teorías comunes. Dicho de otro modo, si lo basamos todo en la expresión, cada época tiene su nacimiento, madurez y muerte, ya que todo depende de la expresividad de cada artista. Es en estos momentos donde Danto nos dice que estamos cercanos a la idea de muerte del arte, puesto que si lo basamos todo en la expresión, cada etapa acabará dejando paso a la siguiente, intentando buscar su propia definición. En resumen, todo es relativo.  

"los hijos malditos de la historia, desarraigados y sin objetivos,
no hemos sufrido una gran guerra, ni una depresión" 

Pero, aunque el expresionismo actúe como conglomerante en cada uno de estos estadios, la cuestión no consiste en definir tal o cual concepto, porque habrá tantos como artistas se propongan expresarlo. No, la intención del arte es buscar su propia identidad, su autoconocimiento, porque no llega a considerar suficientes las respuestas anteriores. Pero toda esta reflexión irremediablemente depende de la teoría para producirse, de tal manera que el contenido teórico de las obras suplanta su materialización.  Sólo queda la teoría, la cual ha alcanzado el pleno conocimiento de qué es el arte. La producción de obras de arte dejaría de tener sentido histórico porque, ¿no es el fin último del arte llegar a definirse? Ya no es necesaria la producción de obras, al menos para la búsqueda de su  significado histórico. El sentido de la búsqueda, la historia, ha llegado a su fin(al). La filosofía ha suplantado a la Historia y nos recuerda que es necesario atravesar una crisis para preguntarnos quiénes somos realmente. Ya no hay crisis, batallas en la que el fin perseguido es saber qué es el arte. Las obras están tan cargadas de contenido teórico que no hace falta su materialización para definirlo. Descubriendo que se ha alcanzado el conocimiento absoluto, ya no hay necesidad de respuestas; sólo queda lo que al hombre le hace feliz: la autocomplacencia, el mercado, el valor, el éxito, la belleza... Una sociedad artística que se ha quedado sin preguntas que hacerse. Desarraigada y sin objetivos pero perfectamente bien decorada. 


El consumo y el star system ha paralizado la búsqueda de respuestas , porque ya hemos llegado al conocimiento total pero me pregunto como crítica si relativizar sobre la muerte del arte no es en sí una verdad absoluta. Creo que Danto cae en la paradoja posmodernista, la de considerar que la relatividad es un dogma que nos permite asegurar verdades absolutas, tales como que hemos llegado a saber qué es el arte. Estoy de acuerdo en que la sociedad actual es autocomplaciente y que en cierto modo, se han cambiado unos poderes por otros, pero creo que la producción de obras de arte todavía sigue buscando esa definición. Ya veremos qué ocurre. 

Clifford II. Sevilla(nía)

Me gustaría compartir una entrevista que el diario de Sevilla hizo a Pedro G. Romero y que publicaba el pasado 31 de Enero. Para los que conocemos Sevilla y los que van a conocerla.


http://www.diariodesevilla.es/article/entrevistasimpertinentes/893805/la/mayor/parte/la/mitologia/sevillana/esta/manos/jubilados.html#opi

Mapa conceptual